Praktische Schreibtipps für angehende Autoren

Wer zu schreiben beginnt, sucht meist zuerst nach Regeln und findet dann vor allem Widersprüche: jeden Tag schreiben, nur schreiben, wenn es drängt; alles planen, nichts planen. Die folgenden Schreibtipps für Autoren, die am Anfang stehen, versuchen nicht, diese Widersprüche aufzulösen. Sie nehmen sie ernst, als Fragen, die jeder, der ein Manuskript beginnt, für sich selbst beantworten muss.

Schreibtipps für Autoren beginnen beim Anfangen selbst

Der schwierigste Satz eines Romans ist selten der erste, der im fertigen Buch steht. Es ist der erste, der überhaupt geschrieben wird. Vor ihm liegt die leere Seite, und mit ihr die Vorstellung, dass das, was jetzt entsteht, schon gut sein müsste. Diese Vorstellung ist der eigentliche Gegner, nicht die Leere.

Was man Schreibblockade nennt, ist bei näherer Betrachtung selten ein Mangel an Ideen. Häufiger ist es ein Übermaß an Erwartung. Man weiß, wie der Text klingen soll, und jeder Satz, der dahinter zurückbleibt, wirkt wie ein Beweis des eigenen Unvermögens. Hilfreich ist hier eine Unterscheidung, die viele Schreibende früher oder später treffen: Der Entwurf ist nicht der Text. Er ist das Material, aus dem der Text später gemacht wird. Wer das wirklich glaubt, schreibt freier.

Heinrich von Kleist hat in seinem kurzen Aufsatz „Über die allmähliche Verfertigung der Gedanken beim Reden“ beschrieben, wie ein Gedanke oft erst im Sprechen entsteht und nicht vorher. Für das Schreiben gilt Ähnliches. Viele Geschichten zeigen ihre Form erst, nachdem man mehrere Seiten in die falsche Richtung gegangen ist.

Routine hilft dabei weniger als Ritual im feierlichen Sinn, eher als Verlässlichkeit. Ob es täglich eine halbe Stunde am Morgen ist oder drei lange Abende pro Woche, ist zweitrangig. Wichtig ist, dass das Schreiben einen Ort im Kalender hat, der nicht jedes Mal neu verhandelt werden muss. Ernest Hemingway soll empfohlen haben, immer dann aufzuhören, wenn man weiß, wie es weitergeht. Der Rat ist schlicht und erstaunlich wirksam: Wer mitten im Gedanken aufhört, findet am nächsten Tag leichter zurück.

Für junge Autorinnen und Autoren kommt eine weitere Hürde hinzu: das Gefühl, noch nicht genug gelesen, erlebt oder gelernt zu haben. Dieses Gefühl verschwindet nie ganz. Es lässt sich nur durch Schreiben relativieren, nicht durch Warten. Wer sich diesem Gedanken in Ruhe nähern möchte, findet im Essay Eine Annäherung an das eigene Schreiben eine Fortsetzung.

Planen und Entdecken sind zwei Wege zur Architektur einer Geschichte

Im englischsprachigen Schreibbetrieb hat sich eine Unterscheidung eingebürgert, die auch hierzulande oft zitiert wird: Plotting gegen Pantsing. Plotter entwerfen ihre Geschichte vorab, Kapitel für Kapitel, bevor der erste Satz geschrieben ist. Pantser, nach der Redewendung vom Fliegen „by the seat of one’s pants“, schreiben los und entdecken die Handlung beim Schreiben. Stephen King beschreibt in seinem Buch „Das Leben und das Schreiben“, dass er Geschichten eher aus einer Situation heraus entwickelt als aus einem fertigen Plan.

Beide Wege haben ihren Preis. Wer alles plant, riskiert, dass die Figuren zu Erfüllungsgehilfen eines Schemas werden. Wer nur entdeckt, schreibt oft hundert Seiten, die später gestrichen werden müssen, weil sich die Geschichte erst auf Seite hundertzwanzig gezeigt hat. Die meisten Schreibenden bewegen sich irgendwo dazwischen: Sie kennen den Anfang, ahnen das Ende und lassen die Mitte offen.

Hilfreich ist, die Architektur einer Geschichte zu verstehen, auch wenn man sie nicht vorab zeichnet. Gustav Freytag hat in seiner „Technik des Dramas“ von 1863 den Aufbau eines Dramas als Pyramide beschrieben: Exposition, steigende Handlung, Höhepunkt, fallende Handlung, Katastrophe oder Lösung. Das Modell ist alt und für den Roman nur bedingt geeignet, aber es schärft den Blick für eine Grundfrage: Wo steigt die Spannung, und wo darf sie ruhen?

Ebenso wichtig sind Fragen, die die Erzähltheorie stellt. Wer erzählt? Aus welcher Nähe? Was weiß die Erzählstimme, was verschweigt sie? Die Entscheidung für eine Ich-Erzählung oder eine personale Perspektive verändert eine Geschichte grundlegender als jede Wendung im Plot. Eine geduldige Einführung in diese Begriffe gibt Eine kleine Einführung in die Erzähltheorie.

Der Entwurf ist nicht der Text. Er ist das Material, aus dem der Text später gemacht wird.

Glaubwürdige Figuren entstehen aus Widersprüchen

E. M. Forster hat in seinen Vorlesungen „Aspects of the Novel“ von 1927 zwischen flachen und runden Figuren unterschieden. Flache Figuren lassen sich in einem Satz zusammenfassen und bleiben, was sie sind. Runde Figuren können überraschen, und zwar auf eine Weise, die im Nachhinein überzeugt. Diese Unterscheidung ist kein Werturteil. Jeder Roman braucht beide. Aber die Hauptfiguren sollten rund sein.

Was macht eine Figur rund? Oft ist es ein Widerspruch, den sie in sich trägt: Eine Ärztin, die anderen hilft und die eigene Krankheit verschweigt. Ein Vater, der streng wirkt und heimlich Gedichte schreibt. Solche Spannungen erzeugen Fragen, und Fragen halten Leserinnen und Leser im Buch. Eine Figur, die nur gut oder nur schlecht ist, beantwortet alles schon im ersten Kapitel.

Viele Schreibratgeber empfehlen umfangreiche Figurenbögen mit Geburtsdatum, Lieblingsfarbe und Kindheitstrauma. Das kann hilfreich sein, solange man nicht glaubt, die Figur damit schon zu kennen. Figuren zeigen sich im Handeln, nicht in ihrer Biografie. Eine nützlichere Frage als „Wer ist sie?“ lautet oft: „Was will sie, und was hindert sie daran?“ Aus dem Wollen entsteht Bewegung, aus dem Hindernis entsteht Konflikt.

Auch die Perspektive prägt die Figurenzeichnung. Wer aus dem Inneren einer Figur erzählt, muss ihre Sprache finden: welche Wörter sie benutzt, welche sie meidet, worüber sie nicht nachdenkt. Eine Figur, die nie über ihre Mutter spricht, sagt damit oft mehr als eine, die es ständig tut. Hier berühren sich Figur und Stil, und hier zeigt sich, wie sehr Charakterentwicklung eine Frage der Sprache ist. Wie genau Wörter gewählt sein wollen, beschreibt der Essay Über die Suche nach dem treffenden Wort.

Schließlich verdient der Dialog eigene Aufmerksamkeit. Menschen sprechen selten in vollständigen Sätzen, unterbrechen sich, weichen aus. Ein Dialog, der alles ausspricht, was die Figuren denken, wirkt hölzern. Ein Dialog, der etwas Wichtiges verschweigt, wirkt lebendig. Es lohnt sich, eigene Dialoge laut zu lesen und dort zu kürzen, wo Figuren einander Dinge erklären, die beide längst wissen.

Stil ist die Summe vieler kleiner Entscheidungen

Der eigene Schreibstil ist nichts, was man sucht und eines Tages findet. Er entsteht aus Tausenden kleiner Entscheidungen: für dieses Verb und nicht jenes, für einen langen Satz an dieser Stelle und einen kurzen danach. Mark Twain wird der Satz zugeschrieben, der Unterschied zwischen dem richtigen und dem beinahe richtigen Wort sei wie der zwischen dem Blitz und dem Glühwürmchen. Das klingt nach Pedanterie, ist aber die eigentliche Arbeit.

Einige Beobachtungen tauchen in Schreibwerkstätten immer wieder auf, weil sie sich bewährt haben. Konkrete Substantive tragen mehr als abstrakte: „Die Küche roch nach verbrannter Milch“ erzählt mehr als „Die Atmosphäre war bedrückend“. Starke Verben ersetzen oft ein Adjektiv. Und die alte Werkstattregel „Zeigen statt behaupten“ meint nicht, dass nie etwas gesagt werden darf, sondern dass Gefühle glaubwürdiger werden, wenn Leserinnen und Leser sie aus Handlungen und Details selbst erschließen.

Hemingway sprach von einer Eisbergtheorie: Nur ein kleiner Teil dessen, was der Autor weiß, steht im Text, der größere Teil liegt darunter und gibt dem Sichtbaren Gewicht. Wer das Unausgesprochene kennt, kann es weglassen, ohne dass es fehlt.

Der vielleicht wichtigste Weg zu einem eigenen Stil ist das Lesen, und zwar nicht nur zum Vergnügen, sondern mit dem Blick eines Handwerkers. Wie baut eine Autorin einen Absatz? Wo setzt sie den Punkt? Was lässt sie weg? Auch das Schreiben in anderen Formen schärft den Sinn für Sprache. Wer einmal versucht hat, ein Gedicht zu schreiben, weiß, wie viel Gewicht ein einzelnes Wort tragen kann; der Beitrag Wie schreibt man eigentlich Gedichte? geht dieser Erfahrung nach.

Überarbeitung ist der Ort, an dem der Text entsteht

Das Ende des ersten Entwurfs fühlt sich an wie ein Abschluss. Tatsächlich beginnt hier eine zweite, oft längere Arbeit. Viele Autorinnen und Autoren lassen das Manuskript nach dem letzten Satz einige Wochen liegen, bevor sie es wieder öffnen. Der Abstand ist kein Luxus: Erst wenn man den Text nicht mehr auswendig kennt, liest man, was dasteht, und nicht, was man gemeint hat.

Die Überarbeitung geht in Schichten vor. Zuerst die große Struktur: Trägt der Aufbau? Gibt es Kapitel, die nur wiederholen, was schon gesagt wurde? Hat jede Figur eine Funktion? Erst danach lohnt sich der Blick auf Szenen, und zuletzt auf den einzelnen Satz. Wer gleich mit dem Feinschliff beginnt, poliert mitunter Absätze, die später ganz gestrichen werden.

Der englische Kritiker Arthur Quiller-Couch riet Schreibenden 1914 in einer Vorlesung, ihre „darlings“ zu töten, also die Stellen, in die sie am meisten verliebt sind. Der Rat wird bis heute zitiert, oft in verkürzter Form. Gemeint ist nicht, alles Schöne zu streichen, sondern zu prüfen, ob eine Passage dem Text dient oder nur der Eitelkeit des Schreibenden.

Irgendwann braucht ein Manuskript fremde Augen. Testleserinnen und Testleser, eine Schreibgruppe oder ein Lektorat sehen, was der Autor nicht mehr sehen kann. Hilfreich ist es, konkrete Fragen mitzugeben: Wo haben Sie das Interesse verloren? Welche Figur blieb Ihnen fremd? Allgemeines Lob ist angenehm, aber selten nützlich. Ebenso wichtig ist es, Kritik nicht sofort umzusetzen, sondern sie zu sammeln und zu gewichten. Wenn drei Leser an derselben Stelle stolpern, liegt dort vermutlich ein Problem, auch wenn ihre Lösungsvorschläge auseinandergehen.

Wer lernen möchte, Texte anderer genau zu lesen, lernt dabei auch, die eigenen zu lesen. Der Beitrag Wie schreibt man eine Rezension? zeigt, wie sich Kritik begründen lässt, statt sie nur zu behaupten. Und manchmal hilft es, zu hören, wie andere ihre Texte lesen: Ein Abend im Publikum einer Lesung, etwa bei einem der ausgewählten Abende im Literaturhaus München, lässt hören, wie ein Satz klingt, wenn er nicht mehr nur auf dem Papier steht.

Am Ende bleibt die Erkenntnis, dass es keine Regel gibt, die für alle gilt. Es gibt nur Erfahrungen, die andere gemacht haben, und die Geduld, die eigenen zu machen. Das Schreiben verlangt beides: den Mut, unfertige Sätze zuzulassen, und die Sorgfalt, sie später zu verwerfen.

Es gibt keine Regel, die für alle gilt. Es gibt nur Erfahrungen, die andere gemacht haben, und die Geduld, die eigenen zu machen.

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